插画风格是如何演化的！插画风格图鉴（上）
前言
每个人对插画的兴趣，都是从某天被某类风格的插画所吸引，而开始痛下决心要学的（也很有可能是三分钟热度）。而对于究竟有多少插画风格，大概很多人都只有个模糊的概念。很多插画风格都完全不同，甚至一个插画师就是一个独特的风格。而有时我们也会赞某个作品很有自己“独特的风格”，或者属于某类风格。
写这篇文章是我在看过 https://graphicmama.com/blog/types-of-illustration/ 这篇文章之后展开写的。
大家可以结合原文一起来看。
内心OS：在写这篇文章的时候，我也通过大量收集资料，饱览了各种不同的插画风格，哇！有种闯入宝藏森林的感觉，玩到停不下来~当然，最重要是它是真实有用的，希望这篇文章可以帮你在千头万绪的风格中找到自己的风格，并且知道如何去发展自己的风格。
传统媒介 VS 数字媒介
要了解现在的数字媒介插画风格，首先就必须了解传统媒介的插画，因为所有数字媒介插画的“根”都是从这上面发展而来。
数字媒介插画，简单说就是利用PS、AI、Painter、Sai、ipad……等创作的插画，工具发生了改变，但其背后的实质是不变的。比如很多PS笔刷里都会有水彩笔刷、水粉笔刷、马克笔笔刷、蜡笔笔刷……这些笔刷的背后就是从传统画材（水彩、水粉、马克笔、蜡笔）的笔触所提取出来，模拟它们的笔触风格而已。
所以挖掘出传统画材的这个大宝库，你才会了解数字媒介的插画风格究竟是怎样演变发展而来，又会形成怎样的走势，接下这类风格会有什么可能的变化，从而引领风格。
插画（Illustration）的风格是怎样练成的
首先，在很久很久以前（装作将要讲个故事的样子），插画的风格长这样。
上图左边是埃及象形文字字母表的配图，右边是印度的《摩诃婆罗多》的书籍配图。虽然年代久远，我们仍然能看出插画丰富的想象力和精美感。
不管怎样，说到插画风格，势必就要涉及到画插画所用的工具。工具部分决定了插画的风格，有些特别的风格，也只有某些特别的工具才能完成。
具体涉及到影响插画风格的有下面四类技术要素：
- 画笔（刷子、毛笔、刻刀、……ipad？）
- 纸张材质（羊皮纸、绢帛、水彩纸、……屏幕？）
- 运笔技法（用毛笔还是用PS笔刷，区别很大？）
- 应用场景（书籍、广告、海报……APP？）
因此，大家可以发现，为什么我们今天的插画风格和过去有着极大的差别，最大的原因，还是在于技术发展，技术带动外在环境改变，从而影响到审美偏好。这是插画在作为具有传达性质的一类素材，而必然跟随技术演化的部分。
比如过去还没有摄影诞生的时候，插画主要就是用来辅助传达文字信息，因此这时的插画部分肩负着摄影图片的使命（明明可以抽象，偏偏要靠写实）。而现在摄影已经铺天盖地，插画的写实感就越来越被弱化，抽象变成了一个趋势，让插画表达形式更自由，表现方法也更具有更多可能性。下图中左边是19世纪的一张美国的商业名片中的插画，后者为现在时代的设计师Willian Santiago所作。
但插画同时也具有艺术性的成分，所以对于插画的写实感带来的质感体验也并没有消失，对过去传统画作的审美也并没有消失。这也是插画风格多样性的原因。
传统插画的种类（非数字媒介）
传统插画，主要就是运用传统画材和画具（非数码工具）所创作的插画，虽然被称为传统，但其实今天仍然簇拥者众，并且应用面也很广，这里被归类为传统的画材，只是为了和数字媒介区分。
水彩画（Watercolor）
水彩是我见过生命力最强的插画种类之一，由于水彩的自由性特别强，能写实、能抽象，色彩可以饱和也可以透明淡雅，还可以借助牙刷、棉签、盐等等工具创作疯狂、热情、或者冷静、细腻的插画感觉，因此深受大家喜爱。
上图左边为Agnes cecile的作品，右图为Natalia Zueva的作品。
当然水彩插画本身也可以细分很多不同的种类，比如有传统风景水彩、森系小清新水彩、时装风格水彩、透明水彩等。我自己就喜欢将水彩插画的技法融入到扁平插画的创作中，从风格上去尝试更多可能。这也是传统插画媒介和现代媒介彼此能相互串台的地方。
上图的配色比较接近，但其实来自两个不同的水彩画师annaspeshilova（左）和 kelogsloops（右），从线条轮廓和运笔手法上，可以看出来自不同的技法。
水彩的画的透明感，完全可以嫁接给数字媒介中的透明色彩，让不同的色彩保持透明并且叠加用色。
水粉画（Gouache）
水粉画的颜料——水粉相对水彩是比较不透明的。很多人在用水粉画的时候，如果给颜料加多水分，就会让插画效果接近水彩，运用晕染的技法，依然能做出渐变的效果。而如果给颜料少水，甚至不加水，那水粉覆盖里就很强，更接近油性颜料的感觉。
上图作品来自Rocio Montoya（左）和Eva Eskelinen（右）
在玩水粉的时候，适当利用水量的不同，就能创作出非常多样的画面效果。而有的创作者也将水粉和水彩并用，相得益彰。
丙烯画（Acrylics）
丙烯画有的地方也叫做亚克力材料，丙烯画更接近油性颜料（油画）的感觉，色彩的覆盖力强，色泽鲜艳，饱满，也可以类似水粉一样选择是否调和水分来做出薄擦或者厚涂的效果。大部分我见过的画家都比较喜欢后一种方式（没错，厚涂~不过很多小伙伴对厚涂的印象都是来自PS的插画学习）。
以上两个作品均来自下面这个网站http://www.sari.studio/#/town-lake-magnolias/，有兴趣的小伙伴可以进入去看看有大量色彩美得不要不要的丙烯画作品。
木刻版画（Woodcutting）
木刻版画应该是结合了手工（木刻）的一类画种，非常具有复古感，当然复古的另一个问题就是效率比较低，比较耗时。而它的粗糙以及具有韵律感的线条肌理，大量凹凸黑白明暗的表现，都非常独特。
有一次去参观一个木刻版画的画展，瞬间就被墙上挂着的作品打动，驻足看了很久，那种宁静的感觉，很震撼。那时才体会到，什么是慢工出细活，聚精会神长期打磨的作品，肯定和一两个小时就速创的作品，传递的感觉是不同的。
因为效率，在商业上运用现成的木刻版画的并不多，但是现在很多线体插画就是借鉴了木刻版画的表现特点。
铅笔画（Woodcutting）
铅笔可以分为彩色铅笔和普通的黑白铅笔。
彩色铅笔简称彩铅，彩铅可以分为油性彩铅和水溶彩铅，油性彩铅可以做出混色渐变的特点，也能层层叠色。水溶彩铅更接近水彩，可以加水做出模拟水彩画的效果。这两类彩铅的表现力都不错，在画人物、食物、静物的插画时，非常适合。
彩铅相比颜料，色彩彩度相对较轻柔淡雅，根据这个特点，如果需要重彩表现的画作，可以换个工具。
以上画作来自飞乐鸟的作品，我以前学习素描，黑白素描看累了，就换彩铅来画。也有的人用彩铅去搭配水彩或者其他颜料，在细节的部分用彩铅来刻画，强化细节的精致感。
而普通的黑白铅笔是素描训练必备，也可以画很简单的黑白插画。
可能很多人都会觉得黑白插画没有颜料那么好玩（包括以前的我），但其实只是idea不足的一个表现。真正有好的idea，黑白和彩色都一样玩转。
以上画作均来自Anja Sušanj 的作品，很喜欢这类创意的自由度，大胆想象，铅笔真的是很棒的创作媒介（流泪墙裂推荐）。
钢笔画（pen-and-ink）
黑白的钢笔画特别适合表达那种色调对比感很强烈的作品，很多创作者运用钢笔时，所用的色阶都非常明快简洁，利用线条就能增加不同的肌理感。钢笔会比铅笔更不易掉色，也易于保存，又不像颜料画那样需要很多颜色，可以说最易于去表现一个插画概念。
运用钢笔表现渐变感觉是相对比较困难的，如果你想要增加渐变，可以结合铅笔使用，或者运用钢笔笔尖制造疏密不同的颗粒。当然，如果你觉得黑白看上去太单调，也可以结合水彩一起用。
上图为Shell的水彩作品，就是利用了钢笔和水彩结合的创意。
和铅笔、钢笔类似的还有炭笔画，都是利用黑白灰的调子来起稿，由于不需要颜料，所以工具相对简单，很适合快速表现概念。
马克笔画
马克笔是相对比较常见的绘图彩色笔，它的墨水容易挥发，而且干得快，用来快速表现最合适。很多服装设计以及景观、建筑设计以及产品设计等等，大多都喜欢用马克笔来表现设计概念idea。并且会结合铅笔、钢笔等一起表现。
马克笔画是平涂为主，渐变也是利用色彩的缓慢过渡来实现渐变过渡效果。所以它无法像颜料画那样再加水进行调和。
拼贴画（Collage）
拼贴画，顾名思义就是运用胶水，将不同的材质拼贴在一起创作的插画艺术。拼贴的材料主要是不同材质和色彩的纸片，但也不限于纸质，也有报纸、收银票据、碎布片、玻璃珠子甚至相片。优秀的拼贴画，可以是一幅非常精美的工艺品。
上图是来自Morgana Wallace的拼贴画作品，可以看到她还增加了剪纸工艺，让拼贴画的细节更精致。
虽然拼贴画在现在的玩家相对较少，但是这种艺术形式，在很多插画风格里都保存了下来。比如下图中设计师Ricky Linn就利用了拼贴画的风格来绘制人物肖像，虽然没有现实的纸质拼贴，但是插画能表达出来。效果非常惊艳~
扁平矢量插画也是同样用了拼贴画的概念，利用不同的形状前后拼合在一起，就能构造出新的造型。
工笔画
工笔画是东方绘画中传统画法，主要利用毛笔描边勾线，运用不同的线条形态创作。工笔画看起来非常典雅，描形很工整，有一种庄重的古典美。
上图均来自何家英的画作。毛笔这种画材在现在用来创作插画的并不多，但是和拼贴画一样，这种技法形态却被保留了下来，被现在很多数码插画师使用得淋漓尽致。
上图来自Zipcy .的作品，就是利用描边线条来勾勒人物。这种描边插画其实现在已经很流行，大部分描边都是平直没有起伏的。但是工笔画中的线条，其实有粗细缓急的形态变化，所以运用这类类似工笔画的描边就可以画出很具有东方古典风情的插画。
水墨画
水墨画和工笔画都是中国传统的画种。但是水墨画更洒脱，形态也更自由。水墨画要画好非常难，因为除了技法以外，需要是一种对“气韵生动”的领悟。比如下图中就是吴冠中（左）和齐白石（右）的画作。
优秀的水墨画当然不多，所以和插画关系比较远，但是现代也有把水墨画发展开来探索一条新路的作品。比如下面是林曦的画作，就是用水墨来画现代的场景。
水墨这种画法，我个人感觉还是由于曲高和寡，能理解的人似乎也越来越少。但是能从水墨中借鉴到一星半点的技法创意，仍然是值得探索的。比如现在有很多把水墨画以及水彩结合来描绘古风的画法。
浮世绘
浮世绘是古代日本的一种版画，也有用笔墨画出来的，叫做肉笔画，内容主要描绘当时人们的日常生活、风景、和戏剧表演等等。浮世绘所用的色彩非常鲜明，多以正红、金色、紫色等，色彩以平涂为主。浮世绘的这种强烈的风格，给后世很多美术创作者都带来深远的影响。下图就是两幅比较常见的浮世绘作品。
从浮世绘获取灵感的艺术家很多，比如当代的插画师victo ngai的作品，我认为看起来感觉就部分带有浮世绘的影子。
除此而外，涉及到不同的画材创作，还有粉彩、油画、圆珠笔、蜡笔等，这里篇幅有限，就不再一个个去讲了，没有介绍的，主要还是在商业插画里可能用得比较少一点，但是不见得就不重要。
数字媒介插画风格的来源
看过以上传统媒介的插画以后，可能你会发现，不同的材质所创作出的插画，风格肯定不太一样。比如水彩看起来比较透明轻薄，大量运用渐变，而马克笔画又是平涂为主……数字媒介，其实就是把这些不同的画材所产生的笔触风格，全部放进我们的电脑里。
在一个数字媒介插画中，你既可以看到平涂也可以看到渐变，也可以看到蜡笔笔触，还能找到线条。但是这么多乱七八糟的笔触全部出现在一个画面里，会不会一锅乱炖了？So!我们就需要形成数字媒介的风格。
比如扁平风格，主要用AI来画。AI是个矢量工具，矢量工具就是以形状为主，它其实和拼贴画的那种“剪一块形状”然后“把它们拼起来”的手法最接近。因此，如果你知道怎样“剪”一块图形，运用AI创作扁平插画就容易多了，那么拼贴画可以怎样玩呢？除了剪一块形状，也可以直接上手画出来。那么，这个新玩法，就可以加入到扁平插画创作里。所以我们的扁平插画研习社课程种，才会总结讲到基础技法：加、减、裁、画。
google前几年的Material design，最初借鉴也来自拼贴画，扁平的风格过于平淡了，好~拼贴画里有纸类阴影，我们就借鉴过来做成阴影。
如果你觉得硬边的风格看起来太硬了，不够柔和，想要柔和怎么办呢？这时我们就转念一下，当你用水彩的时候，有时边缘比较硬，这时就用画笔，带上原本那块形状的色彩，画一笔很自然的边界。所以，AI里画出的硬边表现的画面，就可以带入到PS里，用相应的画笔扫上一笔边缘就可以了。
在玩水彩的时候，有种用牙刷蘸着颜料，在已经画好的作品上，把牙刷上的颜料（含水）往上弹上去，形成大小不同的溅滴，让画面看起来感染力更强，也更有趣。在我们的数字媒介笔刷里，很多喷溅画笔就是从这个水彩的技法借鉴过来的。前几年流行的颗粒感，其实就是水彩这种溅滴的玩法，只是把它变小了、弱了而已。但是这种让平淡的画面更丰富的目的是一致的。
以后如果你想继续创造肌理，就不要再只想着溅滴了。还有水墨的肌理、布面的布纹肌理、木刻版画的木纹、水粉的质感、丙烯画的质感、不同画纸的肌理…这些不同的肌理，都能让画面看起来更厚实，更丰富。没有专业画材的训练都没关系，你只要知道美术的基本原理，任何一种画材都能快速上手，并且也懂得利用它的特点去进行创作。比如下图中各种层次的颗粒质感表现。
所以学习插画，如果直接从数字媒体开始，我认为是一种“失掉根源”的做法。类似我们现在的小朋友，从来没去过农村，一直在城市长大，吃的所有菜、肉，都不知道怎么长出来怎么来到我们的餐桌，而失去了对土地的“根”的了解。如果有天超市不卖菜了，即使有泥土、阳光、水和空气，我们依然不知道怎么种出菜。
但是时代发展太迅猛，如果不直接上手数字媒介，又无法应用，只能作为爱好。要解决这个矛盾，就需要我们一面学习数字媒介的同时，深入到插画的腹地，传统媒介的世界。
要用底层的元认知去学习插画
这几年数字媒介发展很快，还要现学这么多种类的画材，也不太现实。但是艺术的门类都是相通的，只要一门深入，其它就很容易通达。因为最底层的原理是一样的。比如素描是通过铅笔的不同灰度调子来实现渐变从而呈现立体感，那么水彩通过不同的颜料渐变过渡也能呈现立体感……以此类推。包括从数字媒介入手，也能反过来在传统插画中找到答案，这是不得已的方法，但总是一个可以求证的方法，不是盲目入手，学了半天也是被各种潮流带节奏。
如果你还是在跟着插画课上，老师告诉你“描线一定要完整围绕形状”或者“人物一定要头小身体大，才是正确的夸张”，你就跟着这样一板一眼去做，那么至少说明你对于学习插画，仍然没有入门。课堂中，老师给的只是针对初学者的一个指导方向，就像告诉一个小朋友不要拿刀就不会不小心割伤手指一样，但是如果你知道刀的原理，你就知道刀可以用来切水果，可以用来撬罐头盖……但是课堂不能一开始就告诉你太多，对于初学者，有一个循序渐进的过程。
什么是基本的原理呢？就是底层的元认知。拿我们研习社一个小伙伴的话来说，就是带着“上帝”的心态来认识你所接触的事物，就像你第一天来到这个地球一样。比如为什么会用毛笔？为什么要用硬笔？为什么圆形看上去会活泼？……你把这些也许只有小朋友才会发问的问题解开，或者试图去接开的过程中，你就慢慢摸到元认知的开关了。
后记
这篇文章试图整理大家在插画学习过程中的问题，关于风格，这篇文章或许是个起点。未来的下篇我会整理出数字媒介的插画风格，还有一片更广大的天地。
你究竟学过哪些风格的插画呢？
经过上一篇文章《插画风格是如何演化的！插画风格图鉴（上）》，大家多少了解到，传统风格的插画是怎样被技术加持，变成了今天我们的数码插画。所以，今天这篇文章，我们就聚焦于数码插画（Digital）的世界，了解究竟现在的技术，给了插画的哪些诸多的可能性。
这里，我们将插画大体简单看成两类，一类是矢量插画，一类是用手绘板（笔）画出的插画，这两类插画最本质的区别在于实现成品的方式和流程，但有可能二者也能相互贯通融合。下面我会一一讲解自己所了解认识的插画风格。
原画
原画一般是指在游戏、动画中所绘制的场景、角色等对象，是一种对人物、场景等的设定。一般为数位板手绘起稿，画出的人物、场景都非常写实，而整个画面又因为应用场景需要而呈现出比较幻想的风格。
在我最早接触数码插画的时候，就是学习的这类画风。它对实感光线的要求很强，效果要求逼真。精细程度颇高。接受过人物素描训练，其实也就是多花时间去精细化并上色表现光色关系而已。但后来因为是做UI设计，才发现这类画风其实只能在游戏里用，并且场景太过复杂，不适合简约的UI界面，所以就改变了方向。
画原画大部分用数位板/屏，当然现在也有IPad等绘画工具，大面积涂色进一步细化渲染光影效果。
在学习原画的之前，你必须有比较扎实的素描基础，就容易上手并且迅速掌握。没有素描基础，直接用手绘板画原画的人也有，但毕竟是少数。
其实现在有很多插画都是原画的变种，画法和原画类似，只是稍微改变原有惯用的表现套路。走的是艺术风格，这样的创作是很有生命力的，因为创作者已经从原有的框架中挣脱出来，走到了自己的轨道里。比如下面Laura H. Rubin的作品，削弱了人物身体的立体写实表达，简化背景，让原画有了其他的可能。
而Janice Sung就更往前进展了一部，除了精致的人物面部立体细节，其他部分都非常简化，甚至带有扁平简约风格。
因此学习原画，如果不是用在游戏当中，完全可以另外闯出一套自己的风格表现形式。
漫画
首先说明，这里的漫画指的是日漫为主。其他漫画风格暂不在讨论的范围之列。
漫画和原画有点类似，但漫画需要有很强的线条表现力，相对来说不需要太多立体表现。B站上很多画漫画风格的UP主，标题写着是“插画”。但我认为漫画和插画还是有区别的。当然这不是问题，因为现在很多本来应该用插画的地方（比如Banner设计、海报设计、运营设计等）有些都会画成漫画风格。我猜测可能请的插画师其实一直学的是日漫风格，毕竟二次元受众也多，有时候在非二次元的场合看到这样的风格还是比较意外。
画风本来就是一个讲不清楚的问题，追根溯源，漫画风格是为故事服务的。所以人物都比较类似，大部分漫画中的人物基本都呈现完美的九头身和大眼小嘴的完美人物设定，变化不大。画的云朵、树等等也都趋同。所以漫画中的对象更像是一套词汇和语法，在学漫画的时候，我是抱着学人物结构的心态去练习的。
当然也有风格比较特别的漫画，比如蔡志忠、蜡笔小新、辛普森等等另当别论。
漫画也同样跳出本身的情节之外，单纯展现奇异的幻想式场景。比如下面是Toko所发的作品。
而更多创作者，有着深厚的漫画基础打底，在此基础上所做的简化创作让人耳目一新。比如下面是Jamie Tran和Meme的作品。
除了日漫以外，还有其他的漫画风格也一样经过发展，变为了现在比较流行的描边插画风格。
简笔画
简笔画是一个非常有趣的插画种类，它非常随性，这种随性自由本身就是创作的优良环境。因此，虽然简笔画听起来很简单，好像是只是一个幼儿园画种，其实反而有着非常蓬勃的生命力。能把简笔画玩溜的小家伙，在创作大场景的时候，所遇到的困难一定也更少。
我经常提醒我们插画研习社里的学员是想要训练原创力，就利用简笔画。一来是简笔画的创作时间很短小，手到擒来，完全可以利用碎片时间，适合上班族。二来是简笔画的功能其实是“创作”，就像一个头像，在短时间内看看能做出多少种不同的表情，从而拓宽你现有的视觉素材。
很多小巧简单的类图标的简易插画就是从简笔画分化发展出来的。而这些小图标、小插画，正是形成完整的插画的一个个必不可少的小元素。
简笔画一般用AI就能画出来，也有用PS画的，但如果只是简单的描边，AI有很好的控制线条的能力。当然，手绘感的插画就需要PS/ipad做出来更合适。
卡通绘本
这里指的卡通，并不是卡通片里的卡通，而是在童书里看到的插图风格，我们也可以把这类风格称为童书卡通风格。这也是我们日常接触比较多的插画风格(很多科班出身的插画师也是这种风格画起家的，因为学校老师也是这一脉)。以前曾经是插画还没现在这样应用广泛的时代，儿童书是一定会配图的（没有花花绿绿的可爱的小人，小朋友也没兴趣看书），所以就形成了比较稳定的创作风格。
这个风格的特点，当然也就是可爱。大家可以看到现在经验时间比较长的插画师，都是倾向这类童书风格，画的人物大部分非常可爱，十足儿童感。画面也呈现温馨可爱。
下图是VIVIAN MINEKER的作品，是不是看着小孩子的胖FUFU的脸，就想啃一口？
由于这类风格是写实+卡通，因此人物的头部一般较大、眼睛也较大，身体比较小。质感通常很丰富，所以在画这类风格的插画时，一般会用PS来创作，有的则用水彩手绘。
当然，这几年因为互联网上风格相互融合混搭，所以童书风格里的人物也慢慢变成了青少年，也不再只服务于童书的插图了。
这类童书风格其实非常擅长描绘复杂场景，在现在的运营插画中也有不少童书风格创作的痕迹。
也有的就将这类童书风格中笔触技法继续发展，从画小朋友到画成人，和商业插画对接。
很多学习插画的小伙伴，在不了解插画风格的情况下，其实最早接触的应该就是这类插画。所以很多插画的人物画出来都是儿童卡通风格。其实这类儿童风格的插画，其中的人物结构是经过了可爱化的变形，比如头部画大而身体画小，如果没有经过身体基本结构的训练，对正常比例的人体了如指掌，直接用这样的方式进入插画学习，是很难在以后根据实际情况做调整（比如做公司的运营插画，尤其是面对比较强调品牌感的成熟公司）。
这也是我一直告诉大家的，学习插画不要太早确定自己的风格，多接触不同的风格以后再慢慢尝试自己最擅长的。
从童书卡通再独立出来的一类是绘本风格，其实绘本主要就是偏故事性。但风格中的儿童感没有改变。
这类风格，据我的感受就是场景非常满，我也说过童书风格很擅长描绘场景。这种满满的环境信息丰富的画面，有的情况下就显得比较负累了（可以对比简约的扁平插画）。所以如果能减少对环境复杂度的执著，比如我上面提到的vivian mineker的作品，就是一个很好的简化案例。
就像陈丹青在《局部》里说的：觉得蒙娜丽莎是“过度完成”的作品。很多场景太满的作品，也依然带给我同样的感觉。少了呼吸的空间和形色启发式的想象力。
线性风格
东方的艺术都很喜欢用线，线条能传递的感受是非常复杂的，有时甚至不用上色，表现对象的情态，传情即可，不求写实。但东方线性风格则多半最早是从日漫中分化出来，慢慢演变，最后集中形成两类现代商业插画风格。一类就是我们在漫画那部分提到过的描边风格，这类风格也为扁平插画所吸收，变得抽象而简约。
比如下面是Linn Fritz的作品，也是目前非常流行的一类的细线条描边插画。这类插画通常用AI矢量直接画出，看似简单，但对形色控制要求非常高。
还有一类，由于风格走的是写实，线条也不像描边插画那样是始终保持同一尺寸，而是根据外形特点而粗细不一，类手绘的画法。
比如Redouane Sayah的作品，就是这类风格的代表。
这种风格通常色彩都很鲜艳，而画面冲击力比较强，带着美漫的特点。之前看过有人把这种风格称为潮流插画（也是现在插画风格太多太混乱准确命名已经无力了），其实这类风格还夹杂了一点波普风格在其中，具体叫什么，真的不重要了。
还有一种线条继续发展出的就是东方古风，古风插画就有点模拟古代的工笔线条，但同时应用上了数字化的艺术技法。比如倪传婧的作品（下图）。
东方古风的一个特点就是配色上不能太出挑，要围绕复古配色的感觉来。后来很多喜欢这类风格的，也就把用线这点继承过去，虽然不是描古，但也没那么多讲究了。
扁平矢量风格
扁平风格是非常新才流行起来的风格，也是我自己最喜欢的风格。你可以看到在所有插画风格中，扁平风格是最简约的（甚至简约过简笔画），尤其是在场景塑造方面给足了空间。
在上面所有介绍过的插画风格中（除了简笔画），每类风格多少都偏重写实。写实场景、人物等对象，利用光影、层次制造比较丰富的立体感，以使画面看起来具备逼真的辨识度。而扁平插画是逆向而行，它把形式抽离出来，着重在形状、色彩和质感。
扁平插画最早是从欧美流行过来的，得益于互联网的发展，在UI界面上，你可以发现，在简约的设计中，如果突然出现一块非常复杂的传统插画，看起来风格是有点出位的。而以前用AI画的插画，基本也是以写实为主，“渐变工具”、“网格工具”还是一个常用的营造立体感的工具。
也许是扁平的视觉概念吸引了部分插画创作者，把自己的插画改造成以几何抽象的方式，这需要一定的处理技巧，也是对原有插画细节的取舍。早期的扁平插画的抽象比例非常高，是从用AI画抽象图标这样的思路一路继承过来的。
扁平插画也有从工具不同分为矢量扁平插画和手绘扁平插画，前者主要使用AI来画，轮廓非常精准，而后者则多是用PS/ipad等直接类似用笔画出，轮廓带着随机性。但是不管轮廓效果如何，有一点是肯定的，就是扁平插画的画面重点放在了形状、色彩的组合上，而非写实。这也是很多人学习扁平插画的一个难点。
而后来的扁平插画就开始加入了更多手绘的元素，比如颗粒、纹理还有手绘线条。为了避免写实，也把人物做了夸张处理。
下图中Malika的极简风格的插画就是用AI精准控制了轮廓造型。
而下图中geraldinesy的插画作品则用了手绘的方式来得到形状并且增加了丰富的纹理质感。
以上，所介绍的插画风格都能用不同的工具所实现。所以，以前传统的那种依赖工具不同而产生不同效果的模式就慢慢被取代了。比如PS既能画原画、漫画又能画扁平插画等，同样ipad、AI也是如此，并不局限（除了AI稍微特殊在矢量这一设定上，但其实也能通过结合PS而改变）。如果你在学习数码插画仍然纠结在用什么工具上，那么只能说明你还没入门。
鸡蛋不要放在一个篮子里吗？
这也是初学者的普遍困惑：我究竟应该学习什么风格好？如果不是特别喜欢某类风格的话。我给初学者的建议第一仍然是基础素描、速写和简笔画（不管你是哪个风格），第二就是广泛了解，第三则是一门深入。
素描、速写和简笔画的要点，我会在另外一篇文章里详细讲，这里只单列出来，告诉大家这是一切插画的基础，基础就是根，就是树能长多高多大的源头。插画这条路，你是走一天，还是一年，还是十年，一辈子……取决了你的根扎得有多深多牢固。
广泛了解，但是不要浪费太多时间。比如看看B站上其他类画种的绘制过程就好。只要基础打得牢，其实不需要动手，也能看出关键所在。了解以后，吸收这些画种的长项，拿来和自己的插画创作巧妙结合。
最后就是一门深入。一门深入遇到的问题就是，哪一门去深入呢？我的答案就是按照自己的喜好走，不要按照流行的喜好走。很多人因为流行某一个风格就去学这类风格，留下的后患就是自己永远是在临摹参考别人的风格，除非你学得足够快，快到超过了潮流转变，否则当你又跟着潮流不断变换自己的风格，迟早会遇到“学不动”的一天。
只要你摸索到自己的风格，就按照这个风格不断深入下去，潮流永远是个轮回，等它再轮一圈回到你这里来的时候，你就是这个领域的王者。当然这个过程也需要花很长时间。
焦虑和没有耐性，是初学者最大的心里状况。当然，不跟着潮流走，不代表不关注潮流。跟着潮流趋势做适当的改变调整，背后的支柱还是基础。风格建立其实是初学者还不需要去考虑的问题，只需要跟着喜好，一步步跟着练习，答案自动就会出现。
其实我知道很多人对基础是不太能提起兴趣的，是不够“刺激”且也觉得“常谈”那一类，但是我仍然要反复提到，学基础就是积累资产，而其他跟随潮流又不是你自己真心喜欢的蜻蜓点水的学习，更多只是一种消耗。